Talleres de estudio de la escena son una inversión cuestionabl

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Hay un mito común en el mundo de la actuación que uno aprende mejor haciendo. Los talleres de estudio de escena perpetúan esta creencia y comercializan su entrenamiento en base a este concepto erróneo. Si estos talleres fueran realmente efectivos, habría una gran cantidad de aplicadores altamente calificados que se alinearon para cada función. Ese no es el caso. En cambio, tenemos una gran cantidad de actores hábiles rodeados por una multitud de jugadores marginales. Los estudiantes pagan grandes sumas de dinero para asistir a estos talleres y ganan poco para mejorar su posición profesional.

Para los mejores actores, las clases de estudio de la escena son una forma de mantener y mejorar sus habilidades, sin embargo, para los estudiantes principiantes e intermedios que no son lugares de aprendizaje muy efectivos. ¿Por qué es esto? Se invierte más tiempo y energía en crear escenas que en aprender las habilidades fundamentales de la actuación. La memorización, los ensayos, las representaciones y la crítica, todos toman un tiempo valioso. Este tiempo podría ser mejor empleado en aprender y perfeccionar técnicas específicas. En un taller de escena, los estudiantes pueden recibir solo fragmentos de consejos, ya que las restricciones de tiempo no permiten un entrenamiento profundo. Y de esos fragmentos, la mayoría se aplica a esa escena específica en lugar de actuar en general.

Además, los estudiantes generalmente se sienten abrumados por los muchos requisitos para realizar una escena, por lo que trabajan en todo y no dominan ninguno. Sin pautas, el estudiante se enfrenta a demasiadas decisiones, lo que conduce a malas decisiones o a ninguna elección. Además, la lucha en una larga escena de taller suele perpetuar más fallos que reparaciones. Otra advertencia es que las fallas no corregidas pronto se convierten en parte del conjunto de habilidades del estudiante, fallas que pueden obstaculizar seriamente el avance.

Los talleres de estudio de escenas se han convertido en la norma en la industria de la actuación y hay una preponderancia de ellos. Se construyen más para el beneficio del instructor, ya que requieren poca preparación. Es reactivo en lugar de ser un proceso proactivo y, aparte de la crítica del instructor, el alumno no quita nada más.

Esta captura como captura puede acercarse generalmente deja a los estudiantes desconcertados sobre los principios de la actuación dramática. En lugar de aprender qué hacer, los estudiantes serpentean a través de numerosas escenas y nunca descubren las técnicas de hacer e implementar elecciones dramáticas efectivas. A veces, una relación de tipo guru se desarrolla y sofoca la curiosidad del estudiante para profundizar en el arte de actuar. Tales estudiantes se quedan con la impresión de que el camino del instructor es el único.

La obsesión del estudiante por actuar y recibir elogios pronto niega el deseo de prepararse adecuadamente para una carrera profesional. Los talleres de escena juegan en el ego de uno. “Mírame, estoy ocupado actuando”. Pero, ¿eres productivo y qué estás aprendiendo? Y cuando los elogios falsos son burlones, aumentando las esperanzas de hacerlo, el taller se vuelve adictivo y el estudiante regresa una y otra vez para otra solución. Con pocas habilidades rudimentarias, el actor pronto termina en una cinta de correr, ocupado y activo, pero ahora va. Se convierte en una rutina que consume mucho tiempo y finalmente drena tanto las esperanzas como las finanzas.

Es posible recoger sugerencias de escenas presentadas por otros estudiantes, pero ¿se conservan y se implementan? Rara vez e ilegalmente. La toma de notas no es un rasgo que se encuentra en la mayoría de los estudiantes de actuación. Es más probable que asimilen las faltas no corregidas de otros estudiantes. Esto agrava el problema al escalar el número de fallas que deben corregirse.

La mayoría de los estudiantes se enfocan en conseguir un agente, unirse al sindicato o incorporar materiales promocionales como fotos, demostraciones y hojas de vida. Se presta poca atención al proceso de convertirse en un actor profesional y lo que implica. ¿Cuáles son las habilidades y técnicas requeridas de este oficio? ¿Cuáles son los estándares para ser un actor profesional? En lugar de seguir un programa lógico y disciplinado, los estudiantes toman el camino de menor resistencia hacia la mediocridad llena de esperanza.

Hay una tendencia a seguir a la manada y hacer lo que hacen los demás. Los talleres de escena parecen ser el consenso de la industria. Actores, agentes, gerentes, incluso gerentes de casting apuestan ese aviso. Es como siempre se ha hecho. Casting periódicos también promueven esta idea; por supuesto, sus motivos pueden ser de autoservicio debido a la gran cantidad de anuncios de talleres de escena. Uno debería cuestionar esta elección ya que ocupa el tiempo, el dinero y las energías de uno. En su lugar, busque vías que ofrezcan un mejor valor, una mejor capacitación y un progreso efectivo.

En la actualidad, los jugadores encontrarán que su entrenamiento es un caos complicado. Los programas carecen de estructura y propósito. Una solución más práctica es buscar instrucción que aísle habilidades, establezca su credibilidad y proporcione formas de perfeccionarlas. El coaching privado hace esto hasta cierto punto. Y aunque es caro, proporciona más instrucción para el dinero. Las clases de técnica dedicadas a lo básico, que se implementan a través de ejercicios cortos, también son una buena opción. Las clases especiales dedicadas a una faceta de la actuación también pueden aumentar las capacidades profesionales.

Otro enfoque rentable es estudiar y replicar las actuaciones de los actores nominados y premiados. El estudio debe incluir actuaciones tanto en cine como en televisión. Esta serie de artículos sobre la actuación proporciona información adecuada sobre las habilidades y técnicas básicas para auto educarse. Acerca de cómo uno evaluaría el desempeño de uno para llevarlo a los estándares profesionales. Y con el uso de una cámara de video, el estudiante puede ver el desempeño duplicado, comparar y hacer las correcciones necesarias. Este método cuesta considerablemente menos y proporciona una capacitación valiosa más allá del alcance de los talleres de escena. También expande la agilidad y el rango de los talentos dramáticos de uno.

En su capacitación, también busque libros, videos instructivos en línea y artículos en línea. Estos recursos ofrecen precios en el oficio que pueden aumentar considerablemente su conocimiento. También busque talleres y clases que se ofrecen como teasers para atraer a futuros estudiantes. Estos te darán una visión general de la comunidad docente, así como varios métodos de actuación. Además de los consejos gratuitos, también tiene la oportunidad de establecer contactos y relacionarse con sus compañeros.

Como puede ver, hay otras vías que proporcionan una capacitación mejor y más relevante para el dinero. Al considerar un taller de estudio de la escena, uno debe sopesar cuánto progreso es posible y este progreso vale la pena. ¿Son justificables $ 400 a $ 600 por mes? Además, ¿cuál es el costo por técnica recibida y perfeccionada?

Considere estas opciones para aprender el oficio de actuar. Desafortunadamente, exigen investigación, compromiso y práctica disciplinada. La pregunta es: ¿quieres estar ocupado con escenas o quieres aprender del actor de artesanía? Actuando trata de tomar decisiones, y esta debe estar en la parte superior de su lista.

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